RETRATO DE PICASSO (1947)

PORTRAIT OF PICASSO (1947)

Cuando Dalí tenía seis años, Pablo Picasso (1881-1973) visitó la casa de Pixot en Cadaques. En aquel momento Dalí se  hallaba en este pequeño pueblo pesquero y se percató de la  visita del artista. En 1926 diecisiete años después visitó a Picasso en su casa de Paris, donde el gran artista alentó a su joven colega español. El trabajo de Dalí a lo largo de  la década de 1920 revela la influencia de Picasso y cómo  es lógico siempre lo tendría en gran estima.

Después de la Guerra Civil, durante la cual Picasso se mantuvo vehementemente en posiciones antifacista, la relación entre los dos artistas se enfrió. El retrato de Picasso que hizo Dalí revela cómo para la década de los 40 había cambiado en gran medida la opinión que tenía del artista malagueño.

Pintado durante la etapa americana de Dalí y expuesto por vez primera en la galería Bignou de Nueva York del 25 de noviembre de 1947 al 31 de enero de 1948.

Dalí coloca el busto de Picasso sobre un pedestal de estilo clásico, que representa el estatus del artista y su importancia. Sin embargo, Dalí transforma la apariencia real de Picasso con una serie de símbolos que poco tienen de halagadores. El cerebro de Picasso se ha extendido adoptando la forma de un camaleón que engulle sin criterio alguno la inspiración para su obra. El laúd que se encuentra sobre la cuchara es el símbolo del arte picassiano.
Dalí pensaba que Picasso era el responsable en parte de los cambios que había sufrido el arte moderno, soportando así  todo el peso que supone esto y simboliza esta idea,  colocando una piedra sobre la cabeza de Picasso.

Parece una burla en toda regla, cerebro derretido, pechos flácidos y caídos, el clavel rojo como símbolo de lo vulgar.

Un retrato que traspasa lo daliniano y se acerca al arte picassiano. Bien se podría pensar que todo ese “amor-odio” que sentía proyectado sobre este retrato, hace que la imagen resultante pueda  pasar por un autorretrato.

When I was six Dalí, Pablo Picasso (1881-1973) he visited the house in Cadaques Pichot. At that time Dalí was in this small fishing village and realized the visit of the artist. In 1926, seventeen years after Picasso visited at his home in Paris, where the great artist encouraged his young Spanish colleague. Dalí’s work throughout the 1920s reveals the influence of Picasso and how would naturally always in high esteem. After the Civil War, during which Picasso remained vehemently anti-fascist positions, the relationship between the two artists was cooled. Picasso portrait that reveals how Dalí made for the decade of the 40 had changed greatly opinion was by Picasso.Painted during the American period of Dali and exposed for the first time in Bignou gallery in New York November 25, 1947 to January 31, 1948. Dalí Picasso bust placed on a pedestal of classical style, which represents the status of the artist and its importance. However, Dali transformed the actual appearance of Picasso with a series of symbols that have little flattering. Picasso’s brain has spread in the shape of a chameleon without any criteria engulfing the inspiration for his work. The lute is on the spoon is the symbol of Picasso’s art.Dalí thought that Picasso was partly responsible for the changes he had undergone modern art, thus supporting all the weight that this represents and symbolizes this idea, placing a stone on the head of Picasso.It seems a mockery fledged, melted brain, flabby, sagging breasts, red carnation as a symbol of the vulgar.A portrait that transcends the Dali and Picasso approaches the art. While you might think that all this «love-hate» that was projected on this portrait makes the resulting image can undergo a self-por

SALVADOR DALÍ » HOMENAJES A MILLET»

Una serie de homenajes a Millet, que Dalí realiza nacidos de la observación de un calendario postal colgado en la pared de la clase, con el Ángelus de Millet, esta imagen siempre le obsesionó.

El mito trágico del Ángelus de Millet forma parte de los fantasmas profundos de Dalí.

A series of tributes to Millet, Dali performs born of the observation of a postcard calendar hanging on the wall of the class with the Angelus of Millet,this image always obsessed.

The tragic myth of Millet’s Angelus is part of the deep ghosts of Dalí.

EL ÁNGELUS DE MILLET (1857-1859)

MILLET’S  ANGELUS (1857-1859)

La escena representa a dos pastores rezando en el campo, antes de que salga el sol y de empezar a trabajar, al lado de una pequeña carretilla.
La obsesión de Dalí llegó a tal punto que llegó a pedir a los técnicos del Louvre que estudiaran la pintura, ya que estaba seguro de que el cuadro escondía algo, porque la hora no correspondía a la hora en que se reza el ángelus.
Al hacer una radiografía del cuadro, advirtieron una mancha que parecía un pequeño ataúd. Ante ese descubrimiento las dos figuras adquirieron su significado real: no están rezando antes de empezar a trabajar, sino que son los padres que acaban de enterrar a un hijo. La mujer aparentemente sumisa, se encuentra según el, en una posición precedente al acto de agresión, esta bucólica escena se transforma en la lucha entre sexos, siendo la campesina una mantis religiosa antes de la copulación.

 La carretilla, femenina es en numerosas representaciones populares, expresión de erotismo campesino.

The scene depicts two pastors praying in the field before sunrise and start working next to a small truck.

Dalí’s obsession reached such a point that came to ask technical Louvre to study painting since he was sure that the box was hiding something, because the time was not for the time you pray the Angelus.

When an X-ray picture, warned a stain that looked like a small coffin. Before this discovery the two figures acquired their real meaning: they are not praying before starting work, it is the parents who have just bury a child. The seemingly submissive woman, is depending on, in a previous position to act of aggression, this bucolic scene becomes the struggle between the sexes, with the peasant a praying mantis before coupling.

The truck, female is in many popular representations, expression of peasant eroticism.

OBRAS DE SALVADOR DALÍ

SALVADOR DALI PAINTINGS

ATAVISMO DEL CREPÚSCULO (1933-1934)

ATAVISM OF CREPUSCULO (1933-1934)

EL ÁNGELUS ARQUITECTÓNICO DE MILLET (1933)

THE ANGELUS ARCHITECTURAL OF MILLET (1933 )

GALA Y EL ÁNGELUS DE MILLET PRECEDIENDO A LA LLEGADA INMINENTE DE LAS ANAMORFOSIS CRÓNICAS  (1933)

GALA AND THE ANGELUS OF MILLET PRECEDING THE IMMINENT ARRIVAL OF CHRONIC ANAMORPHOSIS (1933 )

EL ÁNGELUS DE GALA (1935)

THE ANGELUS GALA  (1935 )

LA REMINISCENCIA ARQUEOLÓGICA DEL ÁNGELUS DE MILLET (1935)

REMINISCENCE OF ARCHAEOLOGICAL ANGELUS OF MILLET (1935 )

LA ESTACIÓN DE PERPIGNAN (1965)

PERPIGNAN STATION (1965 )

Próximamente analizaré algunas de esta obras de Salvador Dalí, con el denominador común del Ángelus de Millet.

Soon I will discuss some of the works of Salvador Dalí, with the common denominator of the Angelus of Millet.

EL ESCRITORIO ANTROPOMÓRFICO

EL ESCRITORIO ANTROPOMÓRFICO (1936)

Uno de los elementos más conocidos de la iconografía daliniana son las figuras con cajones.

Una de las obras más representativas de esta es El escritorio antropomórfico de 1936.

El tema tiene un doble origen: de una parte están los dibujos del florentino Giovanni Battista Bracelli (primera mitad del s. XVII) de su obra Bizzarie de varie figure (publicada en 1624), donde -en 48 grabados- despliega un juego geométrico gracias a la representación de la figura humana.

De otra parte están los estudios del profesor austríaco Sigmund Freud (1856-1939). Dalí, al igual que todos los artistas surrealistas, era un seguidor entusiasta de Freud desde que leyera La interpretación de los sueños (publicada por primera vez en 1900), según el pintor fue «uno de los descubrimientos capitales de mi vida».

La admiración de Dalí por el trabajo de Freud se plasma en su propia obra, así  como en los personajes con cajones que pintó, afirmaba que eran «una especie de alegorías destinadas a ilustrar una cierta benevolencia, a aspirar los innumerables perfumes narcisistas que emanan de cada uno de nuestros cajones». «La única diferencia entre la Grecia inmortal y nuestra época contemporánea es Sigmund Freud, quien descubrió que el cuerpo humano, puramente platónico en la época de los griegos, está hoy lleno de cajones secretos que sólo el psicoanálisis está en condiciones de abrir». Es decir, para Dalí, estos personajes eran unas representaciones de nuestra voluntad de saber quiénes somos.

ANTROPOMORFISMO:

Antropomorfismo  es la atribución de características y cualidades humanas a animales de otras especies, a objetos o a fenómenos naturales. Se trata de una forma de personificación parecida a la prosopopeya. El término también se utiliza para referirse a un conjunto de creencias o doctrinas que atribuyen a la divinidad la figura o las cualidades humanas.

 The anthropomorphic DESK (1936)

One of the most popular elements of the iconography daliniana are the figures of drawers.One of the most representative works of this is The anthropomorphic desktop 1936.The issue is twofold: on one hand are the drawings of the Florentine Giovanni Battista Bracelli (first half of the s XVII.) Of his work Bizzarie of varie figure (published in 1624), where -in 48 engravings displays a geometric game thanks representation of human figure.On the other hand, there are studies professor Austrian Sigmund Freud (1856-1939). Dalí, like all Surrealists, was an enthusiastic follower of Freud since I read The Interpretation of Dreams (first published in 1900), as the painter was «one of the major discoveries of my life.»Admiration of Dali by Freud’s work is reflected in his own work, as well as characters with drawers painted, said they were «a kind of allegory intended to illustrate some benevolence, to inhale countless narcissistic perfume emanating from each of our drawers. » «The only difference between immortal Greece and our contemporary era is Sigmund Freud, who discovered that the purely platonic at the time of the Greeks, the human body is now filled with secret drawers that only psychoanalysis is able to open». That is, for Dalí, these characters were a representation of our desire to know who we are.

Anthropomorphism:

Anthropomorphism is the attribution of human characteristics and other animal species, objects or natural phenomena qualities. It is like a form of personification personification. The term is also used to refer to a set of beliefs or doctrines attributed to divinity figure or human qualities.

EL ESPECTRO DEL SEX-APPEAL

EL ESPECTRO DEL SEX-APPEAL (1934)

Esta obra también es conocida con el nombre de Espectro de la líbido. Presenta algunos de los versos del poema «L’ amour et la mémoire», En la parte inferior derecha vemos a un Dalí niño, vestido de marinero, llevando un aro y un fémur que hace de varilla, contemplando a un enorme monstruo, blando y duro a la vez, que para el artista simboliza la sexualidad, todo ello enmarcado en un hiperrealista cabo de Creus.

La figura de Dalí volverá a repetirse en otras obras como Paisaje con elementos enigmáticos, de 1934; Sur/Mediodía, de 1936; o, más tardíamente, en Torero alucinógeno, del año 1969. En todas se repite la misma imagen del niño vestido de marinero con un gran pene petrificado.

 La mujer putrefacta y el niño se centran en temas obsesivos para el pintor tales como el miedo a la represión sexual.

Cabe destacar la imponente presencia de las muletas, símbolo según Dalí, de muerte y resurrección.

HUEVOS AL PLATO SIN EL PLATO

HUEVOS AL PLATO SIN EL PLATO, 1932

El huevo “blando”, un tema apreciado por Salvador Dalí, quien lo asigna a las imágenes prenatales y al universo intrauterino.

Dalí afirmaba que podía recordar el tiempo que estuvo en el útero de su madre, y así lo relaciono con el huevo, duro por fuera y blando por dentro. Fue un símbolo recurrente en toda su obra pues lo utilizó para referirse al nido, a su hogar.

El es el que cuelga de un hilo, cerca de otros objetos alusivos a su padre y quizás a su hermana y a su hermano.

En ésta composición, se impone de forma rotunda una estructura en ángulo recto, que puede recordar bien a escalones bien a un edificio de perfil moderno.

En la pared cuelga un objeto -similar a un paraguas rojo- y un reloj de cadena cuya silueta empieza a derretirse. Como ya hemos visto anteriormente, esta peculiar iconografía del reloj blando acabada de instaurarse con una obra como, La persistencia de la memoria (1931). 

En la parte superior de esa estructura, hay una especie de ventana en la cual, se puede apreciar cómo dos figuras, un adulto y un niño, están asomadas.

Construcción blanda con judías hervidas (Premonición de la Guerra Civil) 1936

Construcción blanda con judías hervidas (Premonición de la Guerra Civil)  1936

Esta impresionante y agresiva obra, que Salvador Dalí pinto en el año 1936, muestra a la perfección el horror que se vivió en aquella triste Guerra Civil Española.

En realidad, Dalí terminó la obra seis meses antes del estallido de la guerra y, hasta que ocurrió este acontecimiento, la pintura no tuvo el subtítulo «Premonición de la Guerra Civil». Aun así, Dalí parece ya saber que la posibilidad de una guerra era inminente, y pinta un monstruo amorfo de carnes que se estrangulan unas con otras.

La figura está constituida por una pierna y una extremidad de la que surge otra. Estas dos partes se intentan despedazar. Debajo del monstruo amorfo hay un pie, el cual tiene un dedo de gran tamaño. Arriba se encuentra una cabeza sonriente inclinada hacia arriba, pareciendo ser cegada por el Sol. Esta cabeza recuerda mucho la pintura de Goya Saturno devorando a sus hijos, de carácter sombrío y terrorífico. Así Dalí, define el cuadro como una obra bélica, dado que Saturno es además el Dios de la Guerra.

Como en otras obras de Dalí, el elemento principal del título del cuadro (las judías o frijoles) se encuentran en una parte minúscula del mismo, solo como un elemento secundario. Las judías cocidas son una de las frecuentes alusiones de Dalí a la comida en sus obras. Reflejan el carácter nutritivo que él otorga incluso a la arquitectura.

Un biombo se encuentra en el centro y, a la izquierda, un hombre, copia de otra pintura de Dalí, “El farmacéutico del Ampurdán que no busca absolutamente nada”.

El fondo es un paisaje rocoso, semidesértico  y montañoso. El cielo, pintado de una forma extraordinaria, muestra algunas nubes de color verde claro y azul oscuro. La escena se desarrolla en el Ampurdán, la región de Cadaqués, Figueras, Port Lligat, los lugares más cercanos a el.

Dalí ya había tenido una breve experiencia de guerra civil cuando, en 1934, se proclamó la República de Cataluña y el artista huyó a Francia debido a los desórdenes producidos.

RETRATO DE PAUL EULARD (1929)

RETRATO DE PAUL EULARD  (1929)

Dalí comenzó a realizar esta obra en el verano de 1929, cuando sus relaciones con Lorca estaban a punto de terminar. Es la expresión del amor de Paul Éluard por su esposa Gala. Iconográficamente, presenta todos los elementos de “El gran masturbador” la langosta, el pez como símbolo sexual, las manos cortadas, los cambios de materia, el león rugiente como símbolo de la pasión, la jarra cortada, etc… También existen las referencias al amor contrariado, a la frustración sexual y alusiones a la muerte.

Cuando Dalí comienza este retrato, Gala todavía es esposa de Eulard. Cuando lo termina ya no lo es.

 

La pieza permaneció más de medio siglo en poder de Dalí, hasta que le fue entregada en 1982 a la hija de Gala. Cécile Boaretto reclamó a la muerte de su madre sus derechos como heredera. En el legado materno estaba el retrato de su padre pintado por Dalí en el verano de 1929, cuando Paul Éluard, Gala y la pequeña Cécile, de 8 años, pasaban el verano en Cadaqués invitados por Dalí.

Cécile lo vendió en 1982 a un particular americano, y en febrero de 2011 ha sido subastado en Christie´s por 15.9 millones de euros. Es la pieza vendida más cara de Dalí.

SUEÑO CAUSADO POR EL VUELO DE UNA ABEJA ALREDEDOR DE UNA GRANADA, UN SEGUNDO ANTES DEL DESPERTAR (1944)

SUEÑO CAUSADO POR EL VUELO DE UNA ABEJA ALREDEDOR DE UNA GRANADA, UN SEGUNDO ANTES DEL DESPERTAR (1944)

Este cuadro lo pintó Dalí como consecuencia de un sueño que tuvo Gala sobre una abeja que volaba en torno a una granada. En este paisaje de costa de Port Lligat,  vemos como conviven la figura desnuda de Gala, una escopeta con bayoneta, dos granadas, un cabracho, dos tigres, una abeja y al fondo un elefante con patas de insecto. Todos estos elementos, forman parte del sueño de una Gala relajada, dormida y ajena por completo a lo que sucede a su alrededor.

En el cuadro aparece una  granada, que pierde sus granos en el mar, simboliza el amor, la resurrección la vida eterna y que son como las que plantaba Gala en su casa de la costa catalana. El pez que aparece en el cuadro es un cabracho, una especie mediterránea, que suele alimentarse por la noche, suele permanecer inmóvil y luego atacar a sus presas de improviso lo que impide que puedan reaccionar y las engulle con su gran boca. Aquí la figura del pez parece estar liberando de su boca parte de un tigre.

Dalí, siguiendo las teorías de Freud, quiso representar en el cuadro el hecho de que, a veces, se introducen en el sueño estímulos derivados de acontecimientos exteriores que son integrados en él. 

También se ha sugerido que podría interpretar la teoría de la evolución, eso si vista desde una perspectiva surrealista.

Acabo con lo que el propio Dalí dijo de esta obra:

“He ilustrado por primera vez el descubrimiento de Freud sobre el sueño típico con una larga trama argumental, consecuencia de un accidente instantáneo que provoca el despertar. Del mismo modo que la caída de un listón sobre el cuello de un durmiente provoca, simultáneamente, el despertar y un sueño que termina con la cuchilla de la guillotina, el zumbido de la abeja provoca aquí el pinchazo del dardo que despertará a Gala. Toda la biología creativa surge de la granada reventada. El elefante de Bernini, situado en el fondo lleva un obelisco con los atributos papales.”

El torero alucinógeno 1968-70

Ejemplo de una imagen doble: es la repetición de  la Venus de Milo, con sus sombras que dibujan los rasgos de un torero cuyo traje de luces está constituido por la multiplicación de los corpúsculos de colores y las moscas que, a su vez, dibujan un toro herido.

Por último, la figura del niño vestido de marinero ( una imagen de su niñez)  que aparece en la esquina inferior derecha está trabajada a partir de un cuadro de 1932 del propio Dalí, El espectro del sex-appeal.

Como bien me indicó su propia hija, Ana Salazar Cabarcos, el modelo utilizado por Salvador Dalí  para la creación de esta gran obra, no es otro que el torero mexicano Juan de Dios Salazar, con el cual el “Genio” llegó  entablar amistad y vio torear en varias ocasiones.  Juan de Dios lo explica en una entrevista, que concedió a la televisión TVMéxicoAzteca.

Dalí desnudo, en contemplación ante cinco cuerpos regulares metamorfoseados en corpúsculos en los que aparece repentinamente la Leda de Leonardo cromosomatizada por el rostro de Gala. 1954

En el cuadro aparece en primer plano Dalí desnudo y arrodillado en la playa de Port Lligat. Una concha censura su desnudez. Dalí parece estar contemplando la escena que sucede delante de él. La Leda de Leonardo representada por Gala como en su cuadro Galatea de las esferas, aparece junto con algunas esferas de distintos colores que flotan alrededor de ella. Dalí se arrodilla ante la escena.

El mar es representado como una piel que flota sobre la arena. Dalí recarga su mano sobre el agua. Un perro con un pelaje similar más al de una vaca que al de un dálmata, duerme delante de Dalí (el perro está tomado del cuadro Degollación de San Cucufate, de Aine Bru). Sobre la aparición de la Leda flota una construcción similar a una cúpula que se desintegra

La materia constantemente sometida a un proceso de desmaterialización, de desintegración a través del cual se manifiesta la espiritualidad de todas las sustancias.

Salvador Dalí.